Gabi Ochoa / Maribel Bayona

SE BUSCA GESTOR CULTURAL QUE APRECIE AL CREADOR/A.

Se han olvidado de ella/él. Lo han arrinconado/a, menospreciado/a, apartado/a, y si ha habido palmaditas en la espalda ha sido para tirarlos/las al suelo.

Constatamos otro año más que no existe una apuesta REAL por el creador/a, ya sea autor/a teatral, coreógrafo/a, músico/a, director/a,…

La institución pública sigue cantando Mamma mía, y la fuerza de la creación, (en este caso la valenciana), la mejor y más preparada, la hemos visto en las fronteras. Tendremos que volver al Teatro Fronterizo que el maestro Sinisterra nos iluminó.

Eso sí, volvemos a constatar que desde las fronteras, la creación ha sido PROVOCADORA y ESTIMULANTE. Otra buena cosecha que esperemos no se eche a perder.

Llevamos 8 años ya con estos puntos g, con aquellas propuestas que ocurren en los escenarios que nos han marcado, nos han hecho reír, llorar, vibrar, con amor, tesón, honor y verdad. Bravo por vosotros/as CREADORES!!!

Y la actividad cultural es tanta y tan interesante, que nos ha sido materialmente imposible verlo todo. Esperemos que algunas de ellas puedan continuar y estar presentes en nuestros puntos g del 2017. Y que sea un año donde de verdad los creadores tengan el foco. Tenemos muchas ganas de que esto ocurre.

Dicho lo cual, nuestros 10 puntos g del 2016 son:

 

LAS ACTRICES SIEMPRE MIENTEN de El Pollo campero (Comidas para llevar) 

Esta es la segunda de sus creaciones y dejó a todo el teatro con una risa ácida de esas que pican. Cristina Celada y Gloria March se desnudan en escena y nos hablan de la precariedad, los trabajos difíciles y el poco glamour que tiene esto de dedicarse a hacer “teatrito”. Pero además, son ellas, dos actrices-mujeres que denuncian la desigualdad de género también en las Artes Escénicas. Siempre con humor, con el formato de auto-ficción y sin paños calientes. Un trabajo muy honesto que nos interesó, nos conmovió y que aplaudimos por original y auténtico. Brillantes los doblajes de cine. Queremos más Pollo Campero, vuelvan. Una compañía a la que hay que tener muy en cuenta.

 

PACIENTE de Robert de la Fuente (Caterva Teatre)

El camino emprendido por esta joven compañía no tiene límite. Y sus procesos son joyas de orfebrería. Con “Paciente” nos han llevado a un territorio extremo de la mente, con personajes brillantes como la madre, que de hecho, llegan a interpretar los tres actores. Mención aparte el trabajo de construcción de Robert de la Fuente, no solo por ese desdoblamiento actor / escritor, sino por su magnífica construcción de un enfermo mental tan cercano, tan humano. Y bravo como Fernando Soler y Jaume Ibáñez se empapan del resto de papeles. Abran el Teatro Rialto para ellos. Gracias.

 

LA GUERRA DELS MONS 2.0 de Roberto García (L’Horta Teatre)

Fue una de las Coproducciones con Culturarts Teatro y Danza 2016, ubicada en el Teatro Principal de Valencia, plaza ganada por fin por las compañías valencianas, en contadas ocasiones. El estilo de Roberto García se plasma desde el minuto 0, y la actualización del clásico traído a nuestros días, el relato sobre la manipulación que ejercen los medios de comunicación no puede ser más acertada. Esto sumado a un texto brillante, una dirección impecable, un ritmo trepidante y unos intérpretes inmejorables, son tres de los grandes valencianos (Jordi Ballester, Álvaro Báguena y Verónica Andrés) hicieron que disfrutáramos como enanos sentados en las cómodas butacas del Principal. Muy interesante el estilo cinematográfico y la banda en directo que nos hizo viajar al clásico de Welles. Una coproducción bien merecida y muy bien avenida.

 

40 AÑOS DE PAZ de Pablo Remón (La abducción)

Nadie quiere contar nuestro pasado, pero nada hay más rabiosamente actual que hacerlo desde el tuétano de una familia, desde las entrañas de un discurso muy cinematográfico que nos propone Pablo Remón y su elenco. Una de esas joyas que llegan de Madrid y que tras su paso por Tercera Semana recabó en la Sala Ruzafa. Un texto brillantísimo, y perlas en escena como ese baile con “Thunderstruck” de AC/DC o el dibujo de la madre que hace la imaginativa Fernanda Orazi. Han acabado los bolos por España, pero sigan a esta compañía de cerca, muy de cerca, La abducción.

 

SINDRHOMO + SAWYER de María Cárdenas y Xavo Giménez (La teta calva)

Objeto creativo claramente identificado. La teta calva, o lo que es lo mismo, Xavo Giménez y María Cárdenas son dos creadores que año tras año siguen labrando su carrera profesional con vibrantes propuestas que no dejan indiferentes. Este año nos han dejado dos mordiscos deliciosos, una apasionante “Sindrhomo” (que bien están Manu Valls, Merce Tienda y sobre todo el hallazgo de Leo de Bari) y como broche final esa travesura pirata para niños (y no tan niños) que es “Las aventuras de Tomasa Sawyer” y que, gracias a la producción del Teatre Escalante, se ha hecho realidad. Gracias por llenar de blues los oídos de nuestros niños y para hacer teatro para la infancia sin renunciar a vuestro estilo canalla. ¡¡¡Y por cambiar a Tom por Tomasa!!!

Larga vida a estos genios. Sabemos que siguen teniendo propuestas hasta 2018, por lo que estaremos atentos a nuestros teatros.

 

CINE de La Tristura

Un chico, que busca su pasado, unos niños que se definen jugando. Las escenas iniciales no nos inducen mucho a pensar que el nuevo trabajo de La Tristura sea un estremecedor mural sobre una dura realidad que ocurrió en España: los niños robados. Pero la manera en que la cuenta la compañía tiene una mirada original, única, y creativa, montando piezas, escenas, de un rompecabezas donde la magistral Fernanda Orazi hace un tour de force interpretando varios papeles. Un paso en la complejidad del trabajo de este grupo asentado en el inconformismo.

 

CARINYO de Juli Disla (Pérez & Disla)

Ya lo sabíamos, pero Pérez & Disla hacen el tándem perfecto. Vuelven a sorprendernos con un teatro puro teatro. Dos actores, dos sillas, un texto. Y ya. Y  nada más. Nada más que sentirte identificado con cada palabra, nada más que pensar que están hablando de ti todo el rato, que tú eres, has sido, serás Mireia o Sergio, todo el rato. Un texto que habla de todo, sin concretar nada, pero que es vida, pura vida,  muy al estilo de “La gente” y que por eso se torna universal. Y todos los detalles cuidados hasta el milímetro, muy al estilo de Pérez. En fin, un trabajo magistral. De esos de leer sentado en casa, con calma, y de ver 10 ó 15 veces en butaca sin cansarte. Enhorabuena.

 

EL FILL QUE VULL TINDRE de El Pont Flotant

El Pont Flotant emociona, llega al tuétano, al corazón. Esto ya lo sabíamos. Y esperamos sus nuevos trabajos con la emoción de un niño y la lagrimilla asomando en cuanto empiezan a hablar. Ellos ya son padres, y de eso nos hablan, de los padres, de los hijos, de los abuelos, del cansancio, de las dudas, de los miedos, de la educación. Pero además esta vez deciden contar con colectivos sociales y trabajan con grandes y con pequeños, trascendiendo lo escénico y convirtiendo su pieza en toda una experiencia, para el público, para los intérpretes, para ellos mismos. Aunque hacer un bolo supongo un triple esfuerzo en producción. Pero les vale la pena. Y nos vale la pena. Vuelven pronto, véanla en Las Naves porque el cuadro final no puede ser más bello y sólo puede allí. Y la enorme línea de pesos encabezada por Pau “dejadme dormir, quiero descansar” nos llegó hasta los higadillos. Gracias Pont Flotant, gracias.

 

APRÈS MOI, LE DÉLUGE  de  Marcos Morau (La Veronal)

Con este título, que hace referencia a una frase histórica atribuida a Luis XV como augurio del caos que le sucedería, Marcos Morau hace su primera incursión en el Festival 10 sentidos (Meritxell Barberá e Inma García) que esta quinta edición tenía como lema “A lo caos”, festival que queremos reseñar desde aquí por traer extraordinarias propuestas, en extraordinarias localizaciones y con un nivel admirable.

El trabajo de La Veronal es siempre excelente y en este caso, contando con algunos bailarines habituales de la compañía y con otros valencianos, compone una pieza que trabaja sobre lo estructural, sobre lo perceptivo, sobre la oscuridad y la luz. Con unos movimientos imposibles y unos cuerpos sin rostro retorciéndose entre lo visible y lo invisible. Una joya. Magistral el momento extraescénico pre-función y cómo lo recoge el texto proyectado. Y divina localización (Palau de les Arts) que también se agradece que podamos visitar como público y conquistar como intérpretes.

 

PREMIO EL PUNTO G 2016 es para…

 

MALDITO OTOÑO de La Subterránea + Paco Zarzoso (La Subterránea)

No hay nada como “nadar en la ambulancia”, como romper el lenguaje, la vida, la desazón y tomarse un vino.

Lo que han hecho estas chicas, la compañía La Subterránea, desde cero, desde un rincón (el de pensar) desde un trabajo del cuerpo, la acción y la poesía es francamente impresionante. Lo más honesto, original, duro (durísimo hablar de la muerte y sonreír), desalentador y a la vez provocativo, emotivo y divertido de este año que acaba. Las dos Lucías y Esther, junto con Águeda Llorca y esta vez con el maestro Zarzoso acompañándolas han hecho el montaje del año. Sí, en un rincón, en una frontera, pero en un lugar donde las líneas se deberían ensanchar. ¡Queremos ver el año que viene a La Subterránea en el Teatro Principal! Ese sería el triunfo del optimismo y la radicalidad.

Ya en septiembre nos trajeron el aperitivo en Russafa escénica con la pieza “El 10% de Urbach Wiethe”, una pieza breve que nos estimuló todos los nervios por esa brillantez de ritmo y de textazo. ¡Lo queremos por escrito!

Mientras tanto, ellas beberán de La Zaranda, del humor de Zarzoso y Gerardo Esteve y vibrarán como nunca (y nos harán vibrar) con sus propuestas.

Para ellas, un premio, un pequeño y fronterizo premio. Seguiremos viendo en las fronteras.

 

 

Este ha sido nuestro año teatral. Esperemos que hayáis disfrutado del teatro. No perdemos la esperanza, la vida, el amor o la poesía. Nunca. Seguiremos yendo al teatro a aplaudiros. Os lo merecéis. Como aún no hay premios teatrales dignos en el nostre País, pues lleváis nuestros puntosg desde esta frontera cultural. Bon nadal!

 

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Gabi Ochoa / Maribel Bayona

Si el año pasado pedíamos cambios, este han llegado. El vuelco político, sobre todo a nivel autonómico y local ha dado nuevos aires a la escena teatral. Puede que aún no se haya materializado, pero somos optimistas para lo que tenga que venir. Tal vez el año que viene será un buen año para hacer balance sobre el porvenir, como reclaman los compañeros del Cabanyal Íntim.

Con todo, queremos saludar y celebrar desde aquí la reapertura del Teatre El Musical en Valencia, y que poco a poco Las Naves y Rambleta se lancen a la piscina y produzcan talento autóctono. ¡¡No hay nada más enriquecedor que producir y fomentar a nuestros creadores!!

Además, gracias a esos eventos teatrales que han resistido los años (Russafa escénica, Llavoreta Viva, Circuito Bucles, las residencias Creador.es y Cabanyal Íntim) por su labor de potenciación de la nueva escena, y a las salas que han sido caldo de cultivo de creadores.

Ya van 7 años O.O y este 2015 esto ha sido lo que nos cautivó en escena.

No hemos podido ver todo (desde aquí Maribel y Gabi pedimos disculpas, y seguiremos asistiendo al teatro) pero de lo visto, esto es lo que nos rompió el corazón:

CUL KOMBAT de Patrícia Pardo, Eva Zapico y Guada Sáez (Cía Patrícia Pardo)

Ya hemos explicitado alguna vez nuestra admiración por estas tres mujeres, que juntas, sólo podían crear algo maravilloso. “Cul Kombat” lo es y como no podía ser de otra manera, es una inteligente exploración alrededor del género y del cuerpo, un alegato a la libertad, a la desnudez, a la revolución feminista, a la identidad sexual múltiple. Y una denuncia también a la apropiación de la identidad y la elección personal por otros, al binarismo, a la violencia subliminal ejercida sobre los cuerpos. Pero todo esto contado con humor, desde sus propios clowns, riéndose primero de ellas mismas, entonando odas al fracaso y con unos textos conmovedores sosteniendo semejante discurso. Un placer verlas. Y un placer confrontarlas con público adolescente, momento en que los roles de género identitarios están tan agudizados. Unas valientes, unas guapas, unas listas y tres CULOS que sostienen nuestra lucha.

LA MIRADA DEL OTRO de María San Miguel y Chani Martin (Proyecto 42-3)

 Las conversaciones entre víctimas y presos de ETA para sanar las durísimas heridas que supuso la violencia etarra ha sido una de las propuestas más arriesgadas y honestas del año. El valor humano del montaje, y la delicadeza al tratar el tema hacen de “La mirada del otro” una obra mayúscula que se debería ver en lugares de conflicto para entender al otro. Dura, emotiva y tierna por momentos, te llega hasta el alma.

EL GRITO EN EL CIELO de Eusebio Calonge (La Zaranda – Compañía Inestable de Andalucía la Baja)

Hacia años, lustros, los que la compañía andaluza no pisaba Valencia. Se había convertido en territorio hostil. Fue primero las residencias teatrales Creadores los que trajeron al dramaturgo de la compañía, Eusebio Calonge, que revolucionó a los creadores locales. Y “El grito en el cielo” se convirtió, a su llegada en noviembre en un grito desgarrador, en hambre por ver a esta revolucionaria compañía. Y no dejaron indiferente. La visión agridulce, humana, tierna, pero humorística sobre la vejez, las residencias, sobre el mundo que nos espera, una visión descarnada. Allí arriba subidos, en su atalaya al final de la pieza, los espectadores se quedaron sin aplaudir, porque no entendimos que ese era un final. Y esperemos que un principio del cambio.

 PARIAS de Javier Aranda


“Parias” ha sido sin duda uno de los espectáculos de la temporada. Descubrimos a Javier gracias al Cabanyal Íntim y de ahí a la Ultramar y Carme Teatre. Todos los adultos que hemos visto este espectáculo de títeres nos hemos quedado tocados. Para nosotros “Parias” es teatro en estado puro y Javier tiene toda nuestra admiración porque es eso, un hombre de teatro. Javier viaja con sus cuatro maletas y sus cuatro personajes y con él mismo como hacedor de todo. Desde la concepción de esos maravillosos y terroríficos seres que duermen en las maletas, su construcción, su manipulación y sus vidas, en fin. Y él también sale a la palestra, a jugar con ellos. Y genera todo un juego de niveles que es maestría narrativa. Y no nos da tregua reinventando todo el tiempo ese concepto tan manido llamado “conflicto” que cuando ves esta pieza entiendes definitivamente. Pero sobre todo Javier nos vapulea como a sus marionetas, y nos hacer viajar de la risa a la lágrima en un segundo. Y nos araña el corazón. Y nos conmueve. Y crea unos títeres tan humanos que nos refleja. Un trabajo excepcional con un intérprete excepcional.

“COORDENADAS 37º 40′ 44″N 4º 33′ 14”O” de Irene Cortina

Irene se vino desde Berlín a residir al Proyecto Inestable para generar este granero alrededor del concepto de “ciudadanos/periferia”. Y en Valencia contó con tres intérpretes de excepción, Juan Pinillos, Luis Melià Romaguera y Álvaro Hurtado. Y obviamente Paul Dill creó el espacio sonoro. Irene nos sumergió en un mundo físico alrededor de nuestra piel, de nuestra propia periferia corporal, todo aquello que se (re)presenta al mundo exterior. El juego con los materiales, y el material coreográfico de los intérpretes, envolvente y atractivo nos hizo vivir una experiencia artística que recordamos como una de las más especiales del año. Danza contemporánea de autor. Lenguaje de investigación. Conceptos que traspasan. Cuerpo y aliento. Muy estimulante.

NAGG I NELL de Laura Sanchis (Perros Daneses / CulturArts)


“Nagg y Nell” ha sido una de las apuestas de nuestro teatro público, coproducción de Culturarts junto a Perros Daneses. Y no se han equivocado. Esta joven compañía de trayectoria imparable no se ha amilanado con tremendo reto. Y no lo ha hecho, porque contaban con una muy buena base. Destacamos ese excelente texto de la joven Laura Sanchís, que nos acompañó y nos admiró. Escribir como Samuel Beckett es muy complicado. Y ella lo consigue. Nos transporta hacia Beckett y hacia ese universo de palabras inconexas que lo dicen todo. No se han equivocado tampoco con la elección de los intérpretes, dos grandes Victoria Salvador y Enric Juezas que se nota que disfrutan con cada palabra, porque “Nagg y Nell” es eso, dos actores desnudos y un excelente texto, puestos ahí, frente a nosotros, que no podemos más que jalearlos. Pues eso, teatro, puro teatro.

L’ANEGUET LLEIG de Hans Christian Andersen. Adaptació per Carles Alberola i Ernest J. Sorrentino (Albena Teatre / Centre Escalante)

No vamos a ser nosotros los que descubramos la trayectoria de esta compañía valenciana que nos ha dado piezas que ya forman parte de nuestra idiosincrasia cultural. Pero no queremos dejar de resaltar lo bien que hacen sus trabajos. Hacía tiempo que no veíamos un espectáculo para público familiar tan bien acabado. Además de la excelencia de los intérpretes-cantantes y del espacio sonoro-musical, nosotros, que también somos amantes del género musical, resaltamos lo bien que lo conocen y lo habitan, como un auténtico clásico-moderno. Los mayores disfrutamos por su calidad y los pequeños se meten en la historia hasta el final. La factura, es también excepcional y sobre todo miran y se dirigen a los pequeños (y a los mayores también, por ende) como seres inteligentes, pensantes que merecen un espectáculo realizado con tanto rigor. Como padres, que también somos, gracias.

JOSEP LLUÍS SIRERA, UN LEGADO

Un final de año tristísimo para los dos. Se nos fue él. Nuestro compañero, amigo, referente, confidente, nuestra voz. Josep Lluís Sirera fue algo más que nuestro profesor, fue algo más que la persona que nos inspiró en esto del teatro. Fue un tronco donde crecimos como creadores y como personas.

Se fue un día de diciembre sobre las cinco de la mañana, la hora en la que se van para siempre en las obras de teatro.

Lloraremos y seguiremos llorándole porque nos ha dejado huérfanos.

En los próximos años seguiremos viendo como sus raíces siguen creciendo en nuestro ecosistema teatral, porque lo que plantó fue fuerte y resistente. Que su legado siga perviviendo en nosotros y en todos aquellos que lo conocieron.

Y sobre todo, un especial y sentido pésame a aquellas personas tan cercanas para él como fueron su mujer Remei, su hijo Carles y Rosa su socia.

 

PREMIO EL PUNTO G 2015 es para…

Este año hemos querido que nuestro premio sea exaequo. Dos propuestas vistas en dos focos de referencia y resistencia, como son Russafa escénica y Cabanyal Íntim, de dos grandes creadores jóvenes que aúnan tradición y modernidad en la escena: Víctor Sánchez y Alejandro Tortajada.

A ESPAÑA NO LA VA A RECONOCER NI LA MADRE QUE LA PARIÓ de Víctor Sánchez Rodríguez (Wichita Co)

Con Víctor Sánchez nació una manera de ver la escena cargada de ideología, en el sentido más puro del término. Teatro como lo harían los maestros Chejov y Brecht. Artificio que te hace reflexionar sobre el presente.

La dupla que se marca a nivel textual Víctor Sánchez, esta vez acompañado admirablemente por Lucía Carballal, hace saltar por los aires todo recurso discursivo. Dos piezas sobre nuestro pasado, cuando el PSOE ganó sus primeras elecciones y nuestro futuro (¿un gobierno de Podemos?) que sirven para radiografiar un país y su constante lucha por estar de espaldas a la historia. Y todo ello visto en una familia, foco de desintegración por excelencia.

Un 10 a la propuesta y un 11 a los actores, desde Lara Salvador y Silvia Valero (dos habituales de los montajes de Sánchez y formidables), pasando por dos nuevos en el universo de Wichita Co como Carlos Amador y Lorena López (sublime el primero y brillante las dos caras que da Lorena) y el talento innato de Bruno Tamarit que termina la pieza reventándonos a todos por dentro.

TRILOGIA SENSE PRIMAVERA de Alejandro Tortajada

Un dramaturgo a la puerta de una casa del Cabanyal. Un dramaturgo que reivindica que aquello debió verse en el extinto VEO. Un dramaturgo que nos abre la puerta a un mundo costumbrista, donde poco a poco vas viendo unos personajes que transitan, unas historias de una familia a lo largo del tiempo, de los años. “Trilogia sense primavera” hace renacer el teatro que tan bien desarrollaban los hermanos Sirera y lo lleva a nuestros días, le pone foco y presencia al actor, al personaje, llenando la escena de pequeños destellos: ese Joan Darós reventado a hostias, o la divertida Laura Sanchis bailando en casa, para terminar viendo al Valencia CF en los años setenta y radiografiando como los conflictos humanos, los personales, son universales.

Volveremos en el 2016. Nos espera un año plagado de cambios, transformaciones, descubrimientos y esperemos que muchas sorpresas, y sobre todo, TEATRO, así, con mayúsculas. Que esto sea lo que nos una.

Nos vemos en el patio de butacas 😉

Seis años. Nuestros puntos g cumplen seis años. Seis años debatiendo, entendiendo, reflexionando sobre teatro. y aplaudiendo. Cuando comenzamos nuestra idea era reseñar lo que más nos había gustado del año, sabiendo que era imposible verlo todo. Ahora creemos fundamental hacerlo todos los años, porque a nuestro teatro hace falta reseñarlo, darle el merecido aplauso, poca gente lo hace.

Gracias.

Gracias por salir a escena con las 21 hostias que nos impone Wert. Gracias por coger la furgoneta e iros a Madrid, Barcelona, l’Alcudia o Bellreguard.

Gracias por seguir contándonos ficciones, aunque cada vez seáis más los que estáis más fuera que dentro. El exilio como única salida.

Esperemos que el 2015 cambie todo. Y que de una vez se reconozca, no aquí, sino fuera, vuestra creación. Sería un hermoso séptimo aniversario.

Mientras tanto nos seguiréis viendo en el patio de butacas, a Maribel Bayona y Gabi Ochoa. Porque nos gusta el teatro, ya sabéis que tanto dentro como fuera, en el escenario como en el patio de butacas, y porque veros nos ensancha el corazón y nos hace continuar.

Aquí van nuestros 10 puntos g. Aquello que nos ha llegado al corazón (teatral).

Besos.

AUTORRETRATO DE UN JOVEN CAPITALISTA de Alberto San Juan

A tumba abierta. Lisonjero, irónico, serio y punzante, con datos, cifras, números y reflexiones. Dando a diestro y siniestro, y cantando “Grândola, villa morena”, Alberto San Juan se está convirtiendo en un referente del aquí y ahora, del actor y del compromiso en la escena. Y así lo es él y su proyecto, Teatro del Barrio, anclado en Madrid. Él se desnuda y nos desnuda con este “autorretrato”. Cuentas sus miserias, que en su voz son humorísticas y patéticas, y las de un país en descomposición.

Una voz necesaria, un hito que cada vez que ha pasado por Valencia ha llenado. Si repite, no os lo perdáis.

EL LEGADO DE C de Arturo Sánchez Velasco (Herederos de Sánchez-Atienza)

Hacía tiempo que no disfrutábamos de un texto de Arturo Sánchez Velasco y echábamos de menos admirar lo bien que escribe. “Legado de C” un texto basado en las relaciones familiares y el poder y contextualizado en un espacio aparentemente magnífico pero podrido por dentro. Una reflexión sobre el mundo en el que vivimos compleja en su forma y contenido. Y con una puesta en escena dirigida por Jaume Pérez que asimila toda esa complejidad y la hace brillar. Un baile de diálogos entrecruzados y personajes bien construidos, un banquete para el intelecto y la razón, un buen escenario para cuatro grandes intérpretes (Ruth Atienza, Álex Cantó, Verónica Andrés y Àngel Fígols) y un siniestro cuadro de realidad pintado hasta el último detalle.

Un trabajo elogiable, bien construido, inteligente y reflexivo. De los “exportables”, “girables”, de los que deberían ser modelo de producción pública, de los que deberían estar meses en cartel.

MI CASO ES TU CASA de Gerardo Esteve

Cojamos un intérprete. Pongámoslo en su casa. Hagámosle caso. Que cuente. 1, 2, 3, 4,… no, no, que diga. ¿Hola, qué digo?

Gerardo es un histórico de la escena, y su historia es la historia del absurdo valenciano. Junto a Rafael Ponce fueron una veleta a (per)seguir. En “Mi caso es tu casa” se reinventa a si mismo con una obra en pequeño formato, teatro tetra-brick, de hacer en casa. Y es que allí vas, a su casa, a ver sus genialidades que aquí nunca podríamos reproducir. Eso sí, nos sale muy bien aplaudirle con las plantas de los pies.

EUROZONE de Xron (Compañía Chévere)

Unos días después de su actuación en Valencia en Espacio Inestable para presentar su última obra “Eurozone” la compañía gallega Chévere fue galardonada con el premio Nacional de teatro 2014 “por su coherente trayectoria de creación colectiva basada en fuentes del teatro documento y en la transgresión de géneros”.

No podemos estar más de acuerdo y felicitamos desde aquí a esta admirable compañía dirigida por Xesus Ron que ha hecho piezas tan increíbles como “Citizen” o “Testosterona”, que ya reseñamos aquí.

Chévere también creó la Nave de Servicios Artísticos-Nasa en 1992, un espacio cultural independiente en Santiago de Compostela, ocupándose de la dirección artística hasta su cierre a finales de 2011.

Su última gran creación “Eurozone” es una sátira sociopolítica sobre la crisis europea en la que estamos inmersos con nuestros líderes políticos como personajes centrales (Merkel, Rajoy, Rato, Hollande, Draghi, Cameron) y que a su vez harán de los personajes (los señores colores) de la peli “Reservoir dogs” de Tarantino.

Un montaje sorprendente, lleno de rupturas, mezcla de ficción y teatro apelativo en primera persona, doblaje en directo, peripecias y saltos mortales, peleas, sangre y mucho talento.

Sois unos grandes y tenéis todos nuestros respetos.

QUASEVOL (La Coja Dansa)

Si hay algo que hace La Coja Dansa muy bien es defender el código de la danza. Y nos encanta. Siempre recomendamos a esta compañía cuando alguien nos dice que no entiende la danza o que no sabe si le interesa. Porque si vas a ver a La Coja, te van a enganchar. Y te van a enganchar desde la danza. Porque te van a contar cosas con un alto grado de responsabilidad y reflexión a través de canales físicos investigados con un alto grado de responsabilidad y reflexión. Esto de entrada, porque hacía tiempo que queríamos destacar la trayectoria y labor de esta compañía valenciana que trabaja mucho y bien. Fuera y dentro. Que son unos currantes. Y además son buenos. Brillantes.

“Qualsevol” centra su atención en una frase hecha jugarse la vida y construye un acercamiento de cinco intérpretes (Lorena López, Olga Clavel, Santi de la Fuente, Inés Belda y Joaquín Collado) a todas aquellas personas que abandonan sus hogares para intentar alcanzar un futuro mejor en otro lugar que suele ser distinto al soñado.

Santi de la Fuente dirige y coreografía cinco cuerpos en escena que transpiran, exhalan y habitan sus pieles y las pieles de otros, en un intento de entender esas otras superficies y de jugárselo todo en ese momento real, físico y escénico. Una gran pieza y una gran compañía. Queremos más de vosotros. Siempre.

VERLANGAAFÁN DE PLAN

Entre nuestros 10 puntos G siempre reseñamos la labor de proyectos no teatrales, pero si tangenciales a las artes escénicas porque que dan soporte y colaboran con ellas o simplemente porque nos parece elogiable su labor. Este año queremos colocar entre nuestras joyitas a las revistas digitales Afán de plan (L’agenda under grao de València) y Verlanga, porque ambas son revistas culturales que nos cuentan todo aquello que ocurre en nuestra ciudad, pero no aquello que ofertan los grandes medios sino esas otras muchas opciones culturales y profesionales de gran calidad que a veces son ignoradas o vetadas o simplemente no encuentran difusión. Ambas revistas nos ofrecen un paisaje cultural diferente, más reconfortante y sabemos que ambos equipos aman esta ciudad y no renuncian a hacerla suya, nuestra. Gracias por recordarnos la cantidad de planes que podemos encontrar en nuestra ciudad y la cantidad de talento que todavía queda.

EL CRIMEN DE LA HERMANA BEL de Frank Marcus (PavanaCulturArts)

Una poderosísima puesta como las que nos tiene acostumbrados Rafa Calatayud. Un mimo por el detalle, por cuidar el envoltorio, y por contar una historia que pareciendo tan actual, está escrita en 1964. Unas estupendísimas actrices, y un regidor, introducido en la obra, divertidísimo y acertado. Se nota que Rafa tenía este texto en vena, y nos trae este extraño musical aberlinesado, un hallazgo que ha podido contar con producción pública. Cuando se hace bien desde la institución, se debe aplaudir. Ahora, error mayúsculo en la promoción. Poco público para tan gran propuesta. ¿Quién lleva la promoción, comunicación, los grupos en el ente? ¿Por qué no se cuida esto? Importantísimo si queremos hacer que nuestro teatro sea un referente, que se vea en otros territorios, y que ilusione a los de aquí. A tomar nota.

SPAM de Rafael Spregelburd

Es una bocanada de aire fresco pasearse por la cartelera porteña en cualquier momento del año. Este noviembre hemos tenido la suerte de estar un tiempito por allí. Podríamos destacar mucho y bueno, tanto en teatro (cosas como “Almas ardientes” o la fabulosa “Estado de ira”) como de danza (“Villa Argüello” o “Que azul que es ese mar”), pero nos paramos en esa estratosférica obra que es “Spam”, la nueva vuelta de tuerca de Spregelburd.

Sus dos horas hacen voltear la cabeza de cualquiera con un spam de obra que toca el espionaje industrial, los errores informáticos, el caos mayúsculo y todo ello desencadenado por un correo electrónico. Zpyce y Spregelburd se pueden convertir en la pareja cómica del año (los “números” musicales son divertidísimos) pero también son los artífices del caos absoluto. Crucen el charco, pidan que la traigan a su ciudad, pero háganse ese favor: disfrútenla.

 

NOSOTROS NO NOS MATAREMOS CON PISTOLAS de Víctor Sánchez Rodríguez (Wichita Co y Tabula Rasa)

La nueva generación, los millenians, los nacidos en los 80, tiene su obra. La poética de Víctor Sánchez raspa y atraganta, porque entra tan bien como una mistela con hielo, pero mete duro como una cazalla mal tomada. Una generación rota por la desdicha de la crisis que saca, en estos cinco intérpretes en estado de gracia, su máxima expresión. Román, Laura, Lara, Bruno y Silvia bordan un trabajo redondo en su esencia, que ya desde sus primeros compases, los acordes musicales, la risa y el llanto y las gasas blancas que separan el espacio escénico, crean un clima único.

Utopías mal gastadas, sexo y amor confundido, desgracias propias y ajenas, y mucha verdad y rabia en un texto que destila mala baba, con una estupenda procesión de fondo que se nos mete en las venas. La revelación de la temporada.

 

PREMIO EL PUNTO G 2014 es para…

PENEV de Xavo Giménez (La teta calva)

“Penev” de La Teta Calva Producciones, escrita y dirigida por Xavo Giménez e interpretada por Toni Agustí y Xavo Giménez es una de las creaciones que más nos han llegado al corazón. Queremos destacar su sencillez y su honestidad. Es cierto que hay mucha profesión en esas líneas, en esos juegos metateatrales, en esas metáforas bien escogidas, en esa balada del fracaso y en esa naturalidad en el decir, en el contar, en el estar, en el transmitir. Pero todo el conjunto, parece sencillo, fácil, sin artificio. Y es entonces cuando te sientes Javier o Antonio, cuando te identificas y un gol te traspasa el corazón. Reímos, lloramos disimuladamente y nos emocionamos mucho con estos dos actores en escena, con estos dos buenos amigos. Y ese final que lo cuestiona todo, esa apelación directa tan acertada y desoladora. Queremos creer que todavía vale la pena. Si ellos están ahí, siempre valdrá la pena.

Destacable además la trayectoria, los años y la dedicación de Xavo Giménez, este hombre del renacimiento que hace de todo y todo lo que hace, lo hace bien. Os queremos, chicos.

Esperemos que el 2015 sea el año del cambio. Y que el teatro esté marcando ese cambio desde algún sitio, desde el sitio que sea, pero creando.

Nosotros seguiremos por el patio de butacas, riendo, llorando, emocionándonos y aplaudiéndoos. Que nunca falten los aplausos.

Feliz año entrante!!!

 

Hace poco he sido papá. Podría decir que no me ha cambiado la vida, pero sería mentira. Cuando se duerme a mi vera, o cuando me mira entiendo que le debo muchas cosas a él (y a ella, por supuesto). También me ha dado por llamar a mi chiquillo, “tete”. Es un apelativo cariñoso y me hace gracia. Me gusta llamarle, el tete.

Pero no solo he tenido un hijo. Junto a él han emergido 11 chicos/as a los que he tenido el placer de dirigir para el espectáculo “No hables de ello”, en el marco del festival Russafa Escénica 2014.

La verdad que si lo pienso, ha sido una locura. Dirigir un montaje mientras el tete arrancaba sus primeros lloros, las primeras noches en vela, el cambio de pañales, no es apto para cardiacos. Pero siempre me gusta meterme en mil fregaos, no lo pensé 2 veces (o bueno sí).

Antes de que todo esto arranque, y que “No hables de ello” se convierta en su obra, creo que “los tetes” merecen unas palabras de agradecimiento:

MANEL ARREBOLA

Manel es una caja de sorpresas. De buenas sorpresas. Cuando faltaba un vestuario, un atrezzo, algo, Manel siempre ha estado ahí. Y si era una bizcocho de chocolate, también. Es todo amor, pero no se queda en eso: tiene una presencia en escena apabullante, y una mirada que enloquecerá. De verdad Manel, aprovecha tu planta porque no solo el traje te queda bien. Y sigue siendo el amor que eres 😉

MARINA FONT

Si tuviera que definir a Marina sería la trabajadora constante. Marina no ha parado, ha bordado a su Ana, con una entereza que asombra a su edad. Marina podría hacer cualquier papel, es una actriz versátil, algo tímida, pero un torbellino en escena. Va a cautivar a más de uno con su Ana en conflicto.

ARIANA HIGÓN

Tuvimos claro desde el principio que queríamos a Ariana. Te arranca una sonrisa, o te hace estar en tensión desde la verdad. Tal vez de las mejores construcciones de personaje que he visto en años. Cuando se concentra, es pura dinamita. Siempre suelto alguna carcajada cuando ella sale a escena. Si sabe explotarlo, va a bordar muchíiiiiiisimos papeles.

SANTI JULIÀ

Ay Santi y su gitano. Y es que Santi ha tenido una lenta pero segura evolución. Actor que lo anota todo, y que además puso al grupo a tono con sus ejercicios. Coge la clave del personaje apuntando, repuntando, y mostrándolo. Ole!

LORENA MENDOZA

Mira que nos ha costado, pero creo que Lorena, junto con Víctor, son los dos actores que más evolución han tenido. Y se lo pusimos difícil. Ya veréis la escena que se marca con… pero ha llegado a hacer sublime algo que podría ser soez. Con su mirada, su sensualidad, y trabajando y mirando al compañero. Que no perdamos eso!

PAOLA NAVALÓN

Que puedo decir de Paola que no haya dicho ya. Creo que, si no la mejor, la actriz más preparada de su generación. Un bombón de mujer (y de actriz) a la que le pusimos una zancadilla con un complicado texto, pero que lo ha solventado poco a poco. Además es un poco la mamá del grupo, y crea siempre un buen ambiente. Pao guapa, “razonar, no imponer”. Así puedes llegar todo lo lejos que tu quieras 😉

LAURA PELLICER

Siempre he tenido predilección por este “moco” (con cariño), desde que trabajamos juntos en una webserie. Laura borda un personaje al que le tengo mucho mucho cariño, y lo hace como ella sabe, dándolo todo. Me gusta mucho cuando se ríe, porque lo contagia (cosa que no hace mucho), y pese a que la marcamos con un drama, a escupido el texto que ni Julianne Moore.

ROBERTO ROIG

Otra de las sorpresas es Robert. Lo había visto trabajar, pero en el tete a tete Robert es de esos actores que te proponen, te ofrecen, estas en un toma y daca constante. Ese pelo, por ejemplo, es suyo. Esa actitud, también. Robert tiene visos de convertirse en eso que llamamos malamente “actor de raza”. La fuerza, la tiene. Es más, le sobra. Es un toro.

GLORIA ROMÁN

A Gloria le ha tocado el papel más difícil. Sin duda. Y pese a ello, se integra en el grupo como si fuera otro más. Aparte de ser la gran sorpresa de la obra, Gloria une fragilidad y penetración cuando aborda el papel. Es muy disciplinada y tiene claro el objetivo. De esas actrices con las que quieres trabajar de nuevo. Un 10.

VÍCTOR SÁNCHEZ

Víctor, Víctor, Víctor. Nos ha costado, pero su Averías se está convirtiendo en un ser entrañable, porque él lo hace así. Y mira que le hemos puesto pruebas de fuego: con el vestuario (o sin él), con textos complicados. Pero nada, lo ha dado. Y pese a que inicialmente estábamos asustados, Víctor ha sabido trabajar con sus compañeros mano a mano, y eso se nota en la escena.

JOSÉ TEROL

José es guapo. Así, a bote pronto. Y es buen actor. Pero es tan guapo que sabe utilizar esa mirada suya para desmontar. José puede ser que tenga los momentos más intensos de la obra, y sin embargo su contención es asombrosa. Creo que saltan chispas entre él y Gloria (o con Laura). José enamora, eso es así 😉

Chicos, os habéis formado como actores en tiempos difíciles y os vais a tener que comer mucho microteatro y varietes. Pero seguir con esa ilusión en cada papel, en cada frase, en cada personaje. Eso es lo valioso lo más de vuestro trabajo.

Creo que he tenido la inmensa suerte de haberlos visto crecer. Y eso, hoy en día, es todo un placer. Yo seré aquel que se sienta orgulloso cuando los vea en una peli, una serie o en el teatro.

Como dice mi amigo Jorge Pérez (Tortel) en “El baile extraño”: “Me alegra haberte conocido”.

Y no me quería olvidar de tres personas que han estado también ahí.

Fer, Fer, Fer. Mi cabeza borradora cuando la mía estaba en otro lado. Fer es el ayudante de dirección ideal. Todo te lo hace fácil. Incluso lo imposible. Le gusta ser la mano de hierro, el poli malo (yo es que soy muy poli bueno), pero luego es un cielo, con el que echarse unas buenas risas (pero de las buenas buenas). Maribel ha estado muy poquito, y la hemos echado en falta.

Victor! El dramaturgo, el que ha urdido este texto, quien ha venido, ha propuesto, ha hecho la locura de poner de acuerdo a diez dramaturgos de muchos países para escribir esto. Gracias Víctor y gracias a toda la OTI.

Además Jorge Pérez (Tortel) nos ha dado la banda sonora de “No hables de ello”. Aunque está enfrascado en mil y una historias (de que me suena?) Jorge vino a un ensayo, ha propuesto músicas, y nos ha dejado un par de temas, vamos, que nos ha ambientado la historia.

Este, por ejemplo, sirve de cierre.

Gracias a todos/as, y todo el equipo de Russafa Escènica y todo aquel que nos ha ayudado en algo (Juan Carlos Garés, Carlos Ruiz, Miguel Serrano, Olga Álvarez, Ximo Rojo, Jerónimo Cornelles, Isabela Alfaro, al equipo de Las Naves, y todos los que me dejo, gracias!!!).

“Si he de contaros un plan, no hay ningún plan”

Volvemos otro año más. Y van 5. Este 2013 la crisis ha castigado más duro si cabe. A la supresión de circuitos y redes, se han unido festivales cancelados, emigración y desidia. Basta ya!

Pero por el contrario parece que la creatividad resiste mucho y muy fuerte. Tanto a Gabi como a Maribel, los dos autores de estos 10 puntos g, nos han sorprendido la cantidad y variedad del buen y delicioso teatro que hemos visto.

También nos ha sorprendido muy gratamente la fuerza de las nuevas compañías. Si algo queremos reseñar esta vez es el ímpetu y las ganas de los recién llegados. Ole por ellos!

Nos ha maravillado el universo de “La fragilidad de Eros” de Maquinant Teatre, la constancia de Canallaco en todo lo que hacen, el buen hacer de Perros Daneses, el trabajo riguroso de Teatro Implacable, la fuerza bruta de Caterva o la desmedida creativa de La teta calva. Bienvenidos/as a todos/as!!! Y que sigan llegando más, la puerta está abierta.

Y ahora, nuestros 10 puntitos g. Hubieran sido más pero estos son los que nos han deslumbrado. Además, al cumplir 5 años hemos instaurado un pequeño premio a uno de estos 10 montajes. Hace falta que se premie el esfuerzo y trabajo de estas gentes. El Premio El punto g queda instaurado. No será un gran trofeo, pero quedaremos con los agraciados/as para dárselo en persona y hablar de teatro 🙂

Y desde ya gracias a todo/as por crear, por seguir creando!

 

LÚCID de Rafael Spregelburd (Teatre en Companyia y Lupa Teatre)

Podríamos decir que Xavi Puchades fue uno de los culpables que nos acercó a Daulte y Spregelburd a la ciudad. Es un valiente y un investigador profundo. Si eres un valiente, te decides a montar un texto de Spregelburd y sabes leerlo bien, tienes un tercio del montaje ganado. Porque escribe muy bien. Escribe cojonudo. Es un maestro. Y Xavi lo sabe leer y lo sabe adaptar. Y sabe escoger buenos intérpretes. Y sabe contar una historia delirante que cuando acaba te deja clavado en la butaca, pensando qué idiota fui, si estaban todas las pistas encima de la mesa. Y de nuevo un montaje maravilloso, rico, generoso, retorcido, caleidoscópico. De nuevo un regalo que sitúa a nuestros intérpretes y nuestros directores en un lugar de calidad artística que este 2013 nos ha revelado… A pesar de los pesares.

LA MADRE PASOTA Y COSAS NUESTRAS DE NOSOTROS MISMOS de Uroc Teatro (Dirección: Olga Margallo)

Ver la historia del teatro en escena tan magistralmente llevada vale su peso en oro. Si además son dos grandes actores como Petra Martínez y Juan Margallo, se suma la experiencia y la precisión por llevarte una sonrisa y algún que otro latigazo en el corazón. Y es que si en la primera parte ponen en escena el monólogo de Dario Fo, en la segunda se dedican a destriparlo y a ver qué hacer con él: intentan llamar a programadores que no los tienen por alternativos, hacen cálculos para ver si se pueden jubilar, etc. Por momentos la obra se convierte en la propuesta más radicalmente contemporánea que hayamos visto cuando descubres la realidad de estos actores en su día a día.

LA LEYENDA DEL TIEMPO de Federico García Lorca (4º Escuela del Actor 2012 – 2013)

Este año hemos visto grandes muestras de últimos cursos de las Escuelas de Valencia, entre ellas las que cocinaba Ramón Moreno, pero nos hemos parado en aquella que ha brillado por encima del resto, este extraño y radical montaje de “Así que pasen cinco años” dirigido al alimón por Toni Agustí y Carles Sanjaime. Una obra que habla de la imposibilidad de encontrar a tu amado/a de una manera tan anárquica y que ahonda en su fondo para encontrar una forma tan adecuada. Y sobre todo fue estupendo encontrar una cantera tan valiosa de actores en estado de gracia: Fer, Vicente, Vico, Leti, María, Erica, Rebe, Robert, Rafa, José Ramón, Omar, Blanca,… Salimos del teatro pensando que estábamos en otra realidad donde el amor se convertía en una distracción esencial.

FICCIÓ de Carles Alberola y Pasqual Alapont (Albena Teatre)

Alberola vuelve a sus orígenes, se redescubre a sí mismo, al tiempo que Albena sigue capitaneando este buque insignia de la escena teatral valenciana. Una pieza que al primer golpe de vista puede parecer una comedia sutil, pero que cuando rascas dentro encuentras uno de los textos que más hiel destila sobre la ficción y como se nos queda pegada a la vida. Con referencias implícitas al primer Woody Allen (de “Días de radio” a “Manhattan” o “Annie Hall”), nos hace preguntarnos qué es verdad y qué no, qué es la vida y la ficción. Y Carles solo, en escena, tragándose su vida como una ficción.

JO DE MAJOR VULL SER FERMIN JIMÉNEZ (El Pont Flotant)

Un año más y como todos sabemos, hablar de la compañía El Pont Flotant es hablar ya de un referente de calidad y honestidad. Siempre nos apasionan sus propuestas y en esta última son fieles a su trabajo de investigación e introspección. Esta vez, los Pont miran hacia el futuro y hacia el pasado y se preguntan qué han hecho, qué hacen y qué harán con sus vidas. Desde la sinceridad. Desde la identificación. Desde la realidad ficcionalizada. Con la combinación de los juegos textuales, las improvisaciones controladas, las escenas físicas perfectas (el final del espectáculo es brillante) y su humor, junto al de Fermín, consiguen una vez más que el acto de visitarles se convierta en celebración, en acontecimiento, en vivencia inolvidable. Seguid siempre. Y seguid más.

LA CHICA DE LA AGENCIA DE VIAJES NOS DIJO QUE HABÍA PISCINA EN EL APARTAMENTO de Pablo Gisbert (El Conde de Torrefiel)

Aún no ha llegado a Valencia, pero llegará. Porque la nueva sensación valenciana, El Conde de Torrefiel, conquista imparable todo aquello que toca. Este título tan largo esconde una de las piezas más brutas y sublimes sobre nuestro miedo a enfrentarnos a realidades, con textos hirientes e incluso molestos sobre nuestra vida, con referencias explícitas e implícitas a todo lo que Gisbert ha mamado (desde Bernhard a Handke), y con una necesidad física de mostrar nuestra depravación y doble moral en todas las acciones que desarrolla. Se le ha emparentado con Rodrigo García o Angélica Lidell, pero Gisbert va un paso más allá, hace que unos culos que bailan sean bellos.

LADRAN, LUEGO CABALGAMOS de Carla Chillida (A tiro hecho)

Segundo montaje de esta joven compañía que nos ha vuelto a conquistar y que ha conseguido la proyección nacional al haber sido seleccionado por el Circuito de la Red de Teatros Alternativos. A tiro hecho nos transmite todo el entusiasmo y toda la energía del principio. Toda la libertad creativa y los sueños. La combinación física, textual, poética, cómica y dramática y el trabajo de esos cuerpos jóvenes en escena echando el resto, nos reconcilia con esta profesión. Lo mejor, sin duda, la entrada de Hao Cui. ¡Compañeros, revolución y anarquía! ¡A galopar!

DISCULPE EL SEÑOR, LA ESPERANZA de Pedro Lozano (Señores jaguares)

¡Qué espectáculo tan sencillo, tan redondo, tan exacto, tan bello! En un 2×1. Ellos dos. Esperando. A ver si pica. A ver si no. El mar. El Cabanyal. El abuelo de Piter. Esta mierda de realidad. Un pescado y el corazón de Pedro abiertos en canal. Los dos presentes, magistrales, haciéndonos reír, poniéndonos el nudo en la garganta. Y una maqueta de tu ciudad, de mi ciudad, sencilla y hermosa. Y un godzilla gigante arrasándolo todo. Y un poco de esperanza, disculpe el señor. Un poco de esperanza porque creéis esto aquí y ahora. Vendrá y picará. Gracias.

QUERENCIA de Paco Zarzoso (compañía Bonanzat)

El universo de Zarzoso nos tiene atrapados. Pero si a eso le unes una obra que habla de aquello que nos falta en dos personajes teatrales y teatralizados interpretados magistralmente por Álvaro Báguena y Verónica Andrés, tenemos una de las obras de la temporada. Los premios de la AAPV fueron merecidos, al igual que la dirección exacta de Carles Sanjaime y la cabeza de toro amenazante en escena.

 

PREMIO EL PUNTO G 2013 es para…

EL GRAN ARCO de Eva Zapico y Àngel Fígols (Cía Eva Zapico)

No podía existir mejor tándem creativo que Eva Zapico y Àngel Fígols trabajando juntos, sin cortapisas, a la deriva. Ambos, en esta tesitura han creado un texto y un espectáculo excepcional. Riguroso y exigente, como son ellos, complejo y brillante, duro y despiadado. Un viaje por los laberintos mentales que se nos agarraron al estómago y no nos dejaron respirar en toda la experiencia escénica. Un trabajo valiente y arriesgado y muy muy inteligente. Alguien me dijo que al ver este trabajo quiso seguir luchando por dignificar nuestro sector. Estamos de acuerdo. ¡Grandes!

Estos fueron nuestros puntos g de este año. Nos hemos dejado muchas propuestas en el tintero y es de agradecer, sobre todo, algunas de los grandes resistentes, aquellas compañías duraderas que como Arden con “Revolución” o Hongaresa con “Aquel aire infinito” siguen haciendo teatro (y exhibiéndolo en las salas donde son socios) pese a lo conflictivo que se ha puesto el patio. No pudimos ver “Petit Pièrre” de Bambalina, y muchas más cosas que nos hubiera gustado tenerlas aquí, pero no caben todas.

Gracias a todos/as por crear, por seguir en la brecha. No se presenta un 2014 halagüeño, pero estando dentro de vuestras ficciones, la vida será mucho mejor. Gracias, muchas gracias creadores.

Los amo y los odio. Me iría con ellos de parranda todos los días y les pondría una orden de alejamiento a la vez. Son / sois el alma de las ficciones, y sin embargo sabéis tener una energía arrebatadora como personas.

Esa exclamación inicial pertenece a Iván, personaje que interpreta Jaume Ibáñez en “Deseo y placer”. Así, como suena, en despectivo: ¡Actores!

Donde realmente disfruto estas creaciones son en los procesos de ensayos, en esos días donde los actores y servidor creamos una sociedad secreta bajo una dirección única.

Creo que ellos, Jaume, Estela, Fer, Vicente, Robert y Rebe le dan alma y cuerpo a estos desgarrados personajes que pueblan “Deseo y placer”.

Y por / para ellos, unas palabras:

JAUME IBÁÑEZ es IVÁN

Pese a mis dudas iniciales, porque el pudor del papel de Iván es muy importante, creo que Jaume y servidor nos hemos lanzado a la piscina. Jaume hace uno de los trabajos más duros de toda la obra. Que se entienda a Iván sin juzgarlo va a ser todo un reto para el espectador. Como el Ray de Blackbird la obra de David Harrower, Iván está al límite pero en ese límite está el hallazgo. Y creo que Jaume llega a momentos de extrema desnudez.

Sí, no lo niego, tengo predilección por el señor Ibáñez. He trabajado dos veces con él y lo volvería a hacer. Es, salvando las distancias y las edades, el Pere Arquillué del teatro valenciano. Tiene el arrojo, la energía y la delicadeza que el actor catalán viene mostrándonos desde hace años. Ole Jaume.

ESTELA MUÑOZ es HELENA

Con Estela me ha pasado algo curioso: pese a que nos conocíamos desde hace tiempo, nunca habíamos trabajado juntos. El personaje que encara, Helena, es de una fragilidad y una determinación apabullante. Parece que pase sin dejar rastro hasta que la vida se encarga de demostrar que no.

Creo que Estela me conquistó la primera vez que la vi bailar en escena. Sí, parece una tontería pero en esa escena (ya la veréis) define muy bien a Helena: Ella enseguida entendió por donde circulaba su historia, y dejó al resto boquiabiertos. Y además, tiene una gran virtud: hacer que los defectos de Helena (físicos y/o emocionales) sean virtudes. Quieres a Helena porque te jode que se vaya para siempre, quieres a Estela porque hace fácil algo que en Helena podría ser difícil, saber conjugar deseo y placer.

FERNANDO SOLER es CARLOS (actor que interpreta a GILLES DELEUZE)

Fer lo da todo. Y más. Y no desiste. Y se entrega. La gran virtud de Fer es que está presente siempre en todo el proceso, pero no solo como intérprete, sino como arreglador general: una lámpara, un elemento de atrezzo o vestuario, un matiz para otro personaje, todo. Cuando he necesitado algo, lo que fuera, buscaba a Fer. Si Fer no estuviera, no habría Caterva, lo tengo clarísimo. Será una metáfora pero Fer riega las plantas del piso donde ensayamos. Según su teoría, ellas están marcando el tiempo de Caterva, cuando mueran, es que ya no tendrán razón de ser.

Y Fer ha tenido que lidiar con dos personajes, Gilles Deleuze y Carlos. Un filósofo y alguien que no encuentra a quien amar. La desnudez de su Carlos te deja sin aliento. Buscar para no encontrar nada. Fabuloso.

VICENTE MATEO BAEZA es MIGUEL (actor que interpreta a MICHEL FOUCAULT)

Nos ha costado encontrar a Foucault. Tengo que reconocer que el mayor reto para Vicente ha sido hacer cercano a este gran filósofo y luego darse la vuelta y ser Miguel, el granuja que todos llevamos dentro. Y Vicente es tan metódico que ese paso a paso lo hemos sufrido, porque trabajar desde un rasgo físico es una putada. Pero no desiste, continua en la brecha.

Ahora el resultado: no le tengáis en cuenta aquello que dice, aquello que hace Miguel, su personaje. En su impulsividad y su estar de vuelta de todo vais a encontrar vuestro espejo salvaje.

ROBERT DE LA FUENTE es JORGE

Se puede llegar tarde al ensayo, sí, y ser el alma de “Deseo y placer”, también. Robert no solo es el cartel de la obra, no, sino que se mete en la piel de Jorge casi sin querer y en la que te das la vuelta está llorando, o riendo como él. Es el actor creativo por excelencia. Le da la vuelta a la escena, propone cambios, modifica percepciones, y funciona. Gran parte de los hallazgos de su personaje son de él. Sin duda. Incluso todo aquello que toca con la guitarra.

Me recuerda mucho a Toni Agustí. Son actores con los que siempre quieres trabajar porque son generadores de acción, de ideas, de brotes. “La acción trae accidente” que le digo siempre.

Y Robert es un accidente. Pero de los buenos. Os va a dejar de piedra.

REBECA ARTAL-DATO es SHEILA (actriz que interpreta a SILVIA BAREI)

Me he dejado para el final a la benjamina de la compañía, Rebe. Tengo ganas de verla en “Revolución” porque me lo perdí, pero con los dos personajes que desarrolla en “Deseo y placer”, Sheila y Silvia Barei, Rebe os va a hacer tragar saliva. Está Nina desnortada que es Sheila (¿acaso no recordáis La gaviota?), que es Rebe, hace en escena lo que no es normal. Ha nacido con el teatro en las venas. Es impresionante. Hace que aquello que podía parecer burdo y pornográfico sea tierno y arrebatador.

Me comentaban los chicos de Caterva que a Rebe la convencieron para que hiciera “Deseo y placer” diciéndole, entre bromas, que con esta obra se iba a llevar el Premio Crisàlide al interpretación revelación del año. Ahora viéndola lo tengo claro: lo justo sería nominarla, y que se lo dieran. Porque os advierto: un volcán en erupción va a explotar y se llama Rebeca Artal-Dato. Ya me daréis la razón, ya.

© Fotos Clara Muñoz

“JAVI.- ¿En el teatro se escribe el nombre del personaje?

GABI.- Sí. Bueno depende del tipo de teatro.

Si es teatro deconstructivo no existe el concepto de personaje.

JAVI.- Ah, muy bonito. Los modernos no ponen personajes.

Entendido. Bueno, “le dice…” Se llama Joaquín, el personaje,

por cambiarle el nombre. “Pues Joaquín le dice:

¿En el teatro se escribe el nombre del personaje?”

Fragmento de #DenHaag

Algún día me tendré que preguntar por qué escribo. Por qué necesito crear, por qué hago esto. Por qué.

Hay algo que sale irremediablemente del estómago y no se puede explicar.

Pienso en ello en el Burger King de Atocha, y el cerebro me bulle camino al tren. Una vez sentado, abro el portátil y me pongo a ello.

Esta obra tal vez habla sobre el exilio, sin quererlo. En general sin quererlo ha sido todo. No solo los personajes que transitan en ella, también los que trabajamos en ella lo pensamos. Sin decirlo. Son aquellas cosas que no se dicen cuando se tienen que decir. Nadie se quiere ir, pero todos pensamos en qué pasará a partir de ahora. En mañana. “Es la nostalgia del futuro, tal vez”, que diría Fernando Alfaro. Con una actividad teatral a cero, solo las islas teatrales se mantienen, mal que bien.

“GABI.- Me di cuenta que todos escribimos la misma historia,

y me dije, ¿para qué Gabi, para qué? Y, no sé.

La obra que escribo en la cabeza es mucho más

interesante que la que podría escribir.”

Fragmento de #DenHaag

 Creo que entré en crisis. Creo que las he cogido todas juntas: la creativa, la de los cuarenta (aunque sea a los 37), la de valores, la realmente jodida de conciencia, incluso la física, todas.

Hace unos días me atacó una conjuntivitis vírica en los peores días de ensayo. Creo que se hizo evidente en mi cuerpo la crisis que estaba sufriendo por #DenHaag. No tengo claro la obra que quiero contar. Quien crea que tiene claro qué quiere contar, que levante la mano. Yo cuento, porque necesito contar, vivir ficción. En una escena nueva (sí, en esta crisis ha habido hasta tres escenas nuevas) se materializa eso: qué es contar, porqué contamos lo que contamos, de donde nace. Siempre nace de algún lugar. Creo en el teatro como la mejor terapia para conocerse, para conocernos.

No sé.

En todos los montajes siempre hay un momento de crisis. En este me vino porque me quedé en la escena 14. La escena tiene un título: “Todos los fantasmas acuden a mi”. Yo soy la escena 14. Toda obra es un espejo, está más si cabe. No sé si estamos consiguiendo algo, y qué es ese algo. Creo que sí, pero la capacidad para errar está ahí.

Me acojo a la cláusula Bogart, Anne Bogart, mi última guía para directores desnortados. Ella dice “me convertí en directora de teatro sabiendo de una forma inconsciente que yo iba a tener que utilizar mi propio terror en mi vida como artista. Y tenía que aprender a confiar en ese terror en vez de temerlo. Para mi fue un alivio saber que el teatro es el lugar perfecto para concentrar dicha energía.”

Y ese terror es el exilio. Sigue estando presente. No solo porque en “Den Haag” hablemos de él, sino porque lo vivimos en nuestras propias carnes: yo mismo o algunos de los actores están (estamos) trabajando a caballo entre Valencia y Madrid.

Tal vez el arranque de la obra nace cuando mi hermano David se va a vivir a La Haya (de ahí el nombre de la obra en holandés, Den Haag) para establecerse allí. Las nuevas generaciones no se lo piensan, se van.

En estos meses de ensayo hemos disfrutado, nos hemos enfrentado, hemos elucubrado, cansado, entusiasmado, reído y asustado. Creo que la familia, que es como me gusta llamar a Mamen, Imma, Xavo, Toni, Nacho, Vane y Paula, se lo ha pasado bien. La obra empieza a estar armada. Ahora haremos un parón veraniego para retomar en septiembre antes del estreno.

Creo fehacientemente que estamos haciendo un buen trabajo, que están haciendo un buen trabajo. Creo que era Billy Wilder quien decía que este es un oficio donde lo importante es reunirse de los mejores. Y eso lo he conseguido.

La gente de MementoNET ha hecho este curioso vídeo de los ensayos de la obra. Gracias a José y los suyos.

 

Gracias también a aquellos que han estado (y están en el proceso) como Iván Martínez-Rufat quien nos ayudó con sus grabaciones, Las Naves, Escuela del Actor, Espacio Inestable y CulturArts por su apoyo logístico, y a Episkenion que publicará el texto de la obra en septiembre.

Espero que a partir del 19 de septiembre podáis disfrutar de “Den Haag” en Espacio Inestable tanto o más que nosotros. Si os gusta, recomendadla, retuiteadla, amadla, recomendarnos donde hacedla, dónde vividla, una mano siempre es bienvenida.

Aquí tenéis la mía.

“Estaba limpiando el cuarto y, yendo por aquí y por allá, me acerqué al diván y no podía recordar si le había o no quitado el polvo. Dado que esos movimientos son habituales e inconscientes, no era capaz de recordar y sentí que era imposible recordarlo –de forma que si le había quitado el polvo y lo olvidé- quería decir, que había actuado inconscientemente, por tanto era lo mismo que si no lo hubiese hecho. Si alguien consciente hubiese estado mirando, entonces el hecho podía ser establecido. Sí, por el contrario, nadie había estado mirando, o mirando inconscientemente, si las vidas de muchas personas, con toda su complejidad, transcurren inconscientemente, entonces tales vidas son como si no las hubiesen vivido.”
Diarios (1895 – 1910) León Tolstoi